{dale una pincelada} truquitos para PS (III), por Yessy González

Como quien no quiere la cosa ya estamos en abril, que como dice el refrán, "aguas mil" (y más si estás en Galicia...). Y nosotras añadimos, "y estrés mil". Nos perdonaréis el despendole de esta semana, ¿si? Eva en pleno curso con "Lazos", del que muchos estáis disfrutando, y yo en plenas vacaciones, estamos un poco "out". Pero no os queríamos dejar sin otro truquito de los de Yessy, que tanto os están gustando. ¿Ya habéis estado practicando con los anteriores? Pues el de hoy os va a encantar... ¡Allá vamos!

Como blanquear los dientes de forma rápida.

Ay... esos dichosos dientes tan blanquitos que vemos por ahí en las revistas, y que parecen ser así de blancos al natural, ¿eh? No nos engañemos, no todo el mundo tiene los dientes blancos y brillantes como el diamante. Generalmente las personas tenemos un color determinado de nuestro esmalte, que luego ya depende de nosotros mantener o empeorar con ciertos hábitos que no voy a comentar aquí porque no he venido a dar una clase de odontología, jaja. Pero para esos que tenemos un color no del todo blanco, y que sin embargo nos gustaría lucir, hay un pequeño y rápido truco que para mi opinión da un buen resultado. Y cuando digo buen, me refiero a natural, que como en el caso del retoque de los ojos, no es cuestión de abrir la boca y deslumbrar con nuestra dentadura al que tengamos en frente...

1. Abrimos, como siempre, una foto donde se vean los dientes y que nos sirva de ejemplo. Aquí la niña no me sirve porque sus dientes de leche son, como su nombre indica, blancos como la misma... jaja.

A simple vista los tengo blancos, sí, pero si hacemos un zoom a los dientes, veremos que tienen ese tono amarillento que tanto nos disgusta en ocasiones.

{dale una pincelada} truquitos para PS (II), por Yessy González

Seguimos con esta miniserie tan interesante que nos ha regalado Yessy, hoy con un truquito que puede salvar alguna de nuestras fotos que han quedado subexpuestas.

Como iluminar una foto oscura en un solo paso sin generar ruido.

Muchas veces hemos hecho una foto de un momento irrepetible, y cuando hemos mirado la cámara, ... oh, no!! No he cambiado los valores, y me ha salido muy oscura!! Bueno, no está todo perdido... 

Normalmente con ACR podemos mejorar bastante una foto sub/sobreexpuesta, pero a veces el resultado no acaba de quedar del todo bien cuando la claridad, o en este caso la oscuridad, son un poco altos. Hay otra forma de aclarar una foto en un solo paso, sin generar ruido, cosa importante en este tipo de procesos, y que nos puede sacar de un apuro en un momento dado. 

1. Abrimos esa dichosa foto oscura que no quieres borrar el disco duro porque te gusta el momento, pero que no sabes por donde meter mano.

De nuevo Michelle saliendo de su casa de juego y dando un susto a mamá, que casualmente estaba esperando con la cámara.

{dale una pincelada} truquitos para PS (I), por Yessy González

Empezamos una miniserie de "truquitos-exprés" para PS, a cargo de nuestra super colaboradora Yessy. Cositas muy prácticas y fáciles de hacer, que pueden mejorar notablemente nuestras fotos. 

Como dar un toque a los ojos en unos pocos pasos.

1. Abrimos una imagen de un retrato donde los ojos tengan bastante protagonismo. Yo no podía menos que elegir a mi pequeña, que de ojos va sobrada, y me viene perfecto para enseñar el ejemplo.

{dale una pincelada} crea tu propio material de Scrap, por Eva Gullón

En esta segunda entrega (no os perdáis la PRIMERA PARTE) nos toca hacer nuestros materiales. Fabricarlos, idearlos. Vale inspirarnos en cositas que veamos ya hechas y que nos gustan. La imitación es una fuente de investigación y aprendizaje gigantesca.

Como este post se adivina larguito, no me voy a andar con rodeos. Empezamos. Todo comienzo necesita de PLAN, sobre todo si queremos ver un final. Esto es, pararse a pensar unas cuantas cosas antes de lanzarse y colocarse delante de la pantalla del ordenador. Si no pensamos antes, perderemos un montón de esfuerzo y tiempo.

El PLAN debería despejar las siguientes incógnitas: tema, diseño y mensaje

1. Elección de un tema que nos dé la referencia en la creación y nos motive en la búsqueda de inspiración. El objetivo a cumplir, o más bién, qué queremos hacer. No sólo tendremos que pensar “a lo grande”, sino también en los pequeños adornos que complementen.
2. La paleta de colores. Aquí mi recomendación es que inicialmente no sean demasiados y que de alguna manera (no es obligatorio, claro) guarden alguna relación con el tema.
3. La tipografía también juega su papel. Los sentimientos son una parte muy importante del scrapbooking, y gracias a las palabras con las que acompañemos nuestras imágenes podemos intensificar lo que queremos transmitir.
4. Determinar un estilo para el tema a veces también es importante, sobre todo porque permitirá aunar todos los elementos de diseño con coherencia y así ganaremos en unidad perceptiva: lo que hayamos creado lo sentiremos como un todo, en vez de varias cosas dispersas.

Yo voy a plantearme una página sencillita, con un tema fácil, proporcionado por la fotografía que he elegido para ilustrar. Y para ello quiero hacer esto (lista de la compra), TODO original, ¿vale?:

Papel digital * Marco para fotos * Etiqueta para texto * Washi * Texto

{dale una pincelada} scrapbook digital con tus fotos, por Eva Gullón

O el arte de utilizar diversos elementos decorativos y creativos, además del texto para acompañar una o varias fotografías. Necesitas creatividad, imaginación, cariño y cierto conocimiento sobre la edición de imágenes.

¿para qué?

Para uso personal, para publicar en tu blog, para imprimir en tarjetas, para crear foto-álbumes, para compartir… y si te conviertes en un artista de cierta calidad, para vender tus creaciones ¿por qué no? Para dar rienda suelta a tu creatividad, para experimentar con otros contextos para tus fotografías, para conservar momentos de una manera especial, para reflejar sentimientos, para añadir detalles y dar un toque artístico… para disfrutar.

y una idea para empezar

Si algunos de todos esos “para” te da el motivo para lanzarte en esta aventura, harás bien en iniciarte en el scrapbooking con una idea en mente.

Hay tantas cosas (tantísimas) cosas que se pueden hacer y con las que empezar a probar que (para una persona ansiosa como yo) es difícil decidirse sólo por una y no sentirse un poco frustrada después del primer intento. Elegir algo concreto que hacer, esto es, pararse a pensar en un resultado antes de lanzarse a la esfera digital a ponerse a trabajar sin ton ni son, es la primera lección que yo he tenido que aprender. Y ha dolido (un poquito): personalidad ansiosa = quiero hacerlo todo, quiero hacerlo ya y además quiero hacerlo bien. PAM, batacazo.

¿qué necesito saber?

Es imprescindible saber manejar un programa de edición de imágenes que admita el trabajo con capas. PS suele ser el de referencia, pero Gimp también sirve - salvo que los archivos de trabajo que obtengamos de terceros tengan la extensión .psd (nativos de PS) porque entonces solo se podrán abrir con PS. Además es aconsejable entender conceptos básicos de color, resolución y tamaño de imagen para poder adaptar después nuestras creaciones a los diversos destinos: blog, fotolibro o facebook, impresión o venta.

Si trabajas con materiales que han elaborado otras personas necesitas saber sólo lo más básico: trabajo con capas, efectos de capa y máscaras de recorte. Si también quieres crear tus propios materiales, entonces también debes saber usar un escáner, los modos de fusión de capa, las herramientas de luz y color, las de recorte, los pinceles y cuantas más mejor… aquí la imaginación y el ingenio son los mejores ingredientes.

Nota: os recomendamos revisar los posts sobre "capas en PS2" y "trabajo con selecciones" si todavía no estáis muy habituados a utilizarlas en vuestras ediciones.

En ambos casos, pero sin duda en el primero es fundamental, es importante tener recursos gráficos para realizar nuestras creaciones. Llamo recursos a los materiales que han elaborado otras personas y que, o bien venden en webs especializadas, o bien se comparten altruistamente. Por lo general, se pueden encontrar muestras gratis en las webs de venta, pero también hay personas muy aficionadas al scrapbooking que son igualmente generosas.

Para mi post me voy a servir de la generosidad de varios autores cuyos recursos compartidos he recopilado por aquí en Pinterest.

{dale una pincelada} B y N con Lightroom por Eva Gullón

Después de charla un poco de como "ver" las imágenes en ByN y de cómo editarlas con PS, hoy os traigo la tercera parte de esta serie, en la que abordaremos la conversión a ByN con Lightroom. 

Partiremos de una imagen RAW que voy a convertir de una manera sencilla, utilizando intuitivamente los controles que proporciona la aplicación.

Imagen 1. Además de la conversión “manual”, LR almacena en la biblioteca de “Ajustes preestablecidos” del módulo Revelar una serie de presets de conversión (generales, filtros y tonos) que se aplican fácilmente con muy diversos resultados. Si alguno te gusta como base de conversión, puedes seguidamente retocar o personalizar los parámetros de ajuste de los valores usados. Si te gusta tal cual se aplica, nada te impide dejarlo así.

Para la conversión sin ayuda de presets pasamos a la columna de ajustes de la derecha, sin abandonar el módulo de Revelar. Allí nos dirigimos a Tratamiento, para elegir Blanco y negro.

Imagen 1

{dale una pincelada} conversión a B&N con PS, por Eva Gullón

Después de un paréntesis regreso con las cosas que dejé pendientes. Me alegro de estar de vuelta, así que con muchas ganas retomo el blanco y negro y os cuento acerca de algunas de las múltiples técnicas posibles para procesar una imagen en color y convertirla a blanco y negro.

Lo primero que es importante entender es que la conversión a blanco y negro no es una mera desaturación del color. De hecho, si tan sólo nos limitamos a retirar la información de color de los píxeles, los valores de brillo o luz asociados a esas tonalidades en el momento de la captura no se van a corresponder con los que conseguiríamos en el caso de que lo que fotografiásemos fuera blanco, negro y gris en la realidad. La interacción de cada tonalidad con la luz es fundamental para el color.

(Bingo, es ahora cuando os recuerdo que una exposición incorrecta o una dominante de color va a afectar sin remisión a la conversión, así que antes de empezar con esto debéis editar la imagen, si es necesario, para corregir problemas básicos de ese tipo)

Cuando sólo desaturamos, obtenemos por regla general una imagen gris, más apagada que la de color, bastante plana y aburrida. ¿Entonces, no se puede utilizar esta opción? Sí se puede claro, pero para que el resultado sea interesante habrá que aplicar otros ajustes después de la desaturación para que la luz y el contraste sean adecuados (y para eso hay que saber manejar el histograma y las curvas) Por eso generalmente para convertir a B&Nse utilizan otras técnicas más prácticas como os explico más abajo.

Personalmente no utilizo un único método, sino que elijo uno u otro en cada caso dependiendo de las características de la imagen a convertir. Unas veces utilizo PS y otras muchas uso Lightroom. Lo bueno es que al haber probado tantos métodos, tengo una idea de lo que ofrece cada uno y cual puede funcionar mejor en cada caso.

Eso sí, para mí, la herramienta indispensable para cualquier conversión, la guía infalible de cómo está resultando el proceso, es el HISTOGRAMA. Y que no cunda el pánico, que es muy fácil de entender y de utilizar en PS a través de Niveles.

{aprende} trabajar con selecciones en photoshop - parte II

Ya tenéis claro lo que son y para qué sirven las selecciones? Si no es así echadle antes un vistazo a la primera parte de este post. Allí profundizamos en el concepto de selección, vimos cuales son las herramientas básicas para hacerlas e incluso os apuntamos algún sistema más avanzado para su creación. Si ya lo habéis digerido (era espesito eh?) podemos continuar.

Hoy nos toca centrarnos en los dos últimos puntos del trabajo con selecciones:

• d.- perfeccionar una selección 
• e.- trabajar con una selección: el menú selección

{dale una pincelada} mi Hipstamatic DIY!! (síííí!! Por fin lo conseguíiiii!!)

Estoy feliz. Ya os dije en su momento que soy la presidenta del club "culo veo culo quiero". Hace unos meses, al ver las fotos de Grecia de Eva, hechas con el iPhone y la aplicación Hipstamatic, me moría de envidia y NECESITABA conseguir ese efecto tan chulísimo.

{aprende} evaluar y corregir la tonalidad de la piel, por Eva Gullón

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No creo equivocarme demasiado al pensar que de todos los tipos o géneros de fotografías que podamos abordar, quizá el más desafiante sea el del retrato, o en el que aparece la figura humana, especialmente el rostro. No sólo por indudables cuestiones que son inherentes a la personalidad del retratado, o siquiera al género humano, sino también por razones técnicas asociadas a este tipo de fotografía que se conjugan deliciosamente con la creatividad.

Como este mes Rebe y Eva lo dedican a la fotografía de recién nacidos y bebés hasta los 3 meses (retratos al fin y al cabo), hoy me voy a centrar en explicaros cómo podemos evaluar la tonalidad de la piel en el proceso de edición, partiendo de unos valores orientativos. Y también cómo utilizar la herramienta de Curvas en PS para realizar correcciones, en el caso de que se precisen.

Lo que os cuente aquí vale orientativamente para todo tipo de retratos, aunque hay apuntes aquí y allí que se centran en algún tipo especial de piel, como es el caso de la de los bebés.

Atención. Pregunta:

Si te dan una paleta de colores y te piden que hagas una mezcla para obtener un color similar al de la piel… ¿sabrías por dónde empezar? ¿sabrías qué colores elegir?¿sabrías cuántos colores mezclar?¿y sus proporciones? … ¿alguna vez te has preguntado de qué color es la piel? Vale, no es sólo una pregunta, son muchas. He hecho trampa. Cuando era pequeña, en las cajas de rotuladores siempre había uno que era un rosa clarito, a veces más saturado, a veces con más negro: ese era el que yo usaba siempre para colorear la piel de mis personajes. Mi hermana y yo lo llamábamos “color carne”. Sin embargo, una vez coloreado el muñequito siempre me parecía que el color no era nada realista. Pero era el más cercano al color real.

Bien, con esto os quiero decir que la piel tiene unos valores cromáticos que se pueden describir (supongo que no os estoy desvelando nada nuevo), pero esos valores sólo son orientativos y nos sirven de referencia para los casos en los que necesitemos corregir problemas de color.

{aprende} trabajar con selecciones en photoshop - parte I

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Cuando uno empieza a bucear en el mundo de la edición fotográfica todo parece tan complicado y extraño! Evidentemente el camino es largo (nunca se acaba de aprender... como en casi todo, y eso es genial!), pero con cada peldaño que subimos en la escalera, con cada pasito nuevo que damos, cuánto se disfruta!

En esos comienzos, una de las cosas con las que hay que habituarse es con un nuevo lenguaje, en el que aparecen palabras que al principio nos suenan a chino. Hoy pretendemos que, al menos una de ellas,  empiece a resultar más familiar. Hablaremos de las SELECCIONES.

En su momento hicimos una introducción a otra de esas cosas fundamentales que hay que manejar en photoshop para no solo mejorar editando nuestras fotos, sino también para poder multiplicar las posibilidades de edición de este potente software y hacer además el trabajo más fluido y sencillo. En aquella ocasión os hablamos de las CAPAS. Pues bien, conocer qué son, cómo se utilizan y para que sirven las selecciones es otro de los pilares para entender cómo funcionan las cosas en este programa (y para poder hacer ediciones que serían casi imposibles o muy complejas si no manejamos estas dos cosas)

Así que... no os saltéis este tutorial... porque es importante! (y si todavía no os habéis estudiado lo de las capas ya estáis corriendo a echarle un vistazo a lo que os contamos de ellas aquí y aquí)

Nota: Para realizar selecciones con comodidad y precisión es muy útil disponer de una tableta digital. Es francamente más difícil y laborioso "dibujar" con un ratón (sobre todo líneas curvas) Échale un vistazo a nuestro post sobre este artilugio para más información.

{aprende} flujo de trabajo en fotografía digital

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El flujo de trabajo es un punto muy importante a la hora de almacenar nuestra biblioteca de imágenes. Si quieres no "perder" tus fotos por ahí y encontrar aquella que buscas en el momento que la necesitas hay que ser organizad@. Y no solo es útil para encontrar, sino como veremos, también para no guardar de más! (los megas, gigas y terabites, ocupan espacio y cuestan dinero!!!)

Es verdad que cuando uno empieza a hacer fotos y no tiene un archivo demasiado grande... pues no suele pensar en esto, pero si no buscamos un sistema y un orden desde el principio llegará un momento en el que ya no sepas qué hay en el disco duro... y eso hace que después utilizar tus imágenes se convierta en algo lento y desesperante (¿¡dónde habré guardado la foto de familia de la última comida todos juntos para poder regalarle una copia a la abuela que va a estar de cumpleaños?!... os suena?) Además, cuando ya hay tanto trabajo acumulado da muuuucha pereza volver a atrás y ponerse a organizar las fotos de los últimos... 5 años!! Así que es mejor empezar bien desde el principio!

Decidimos hablar de esto este mes, porque siguiendo con la temática de los últimos posts tal vez os lancéis a hacer alguno de esos "proyectos" anuales. Si hasta ahora la frecuencia con la que hacíais fotos no era muy elevada, a partir de ese momento si lo será! Y eso que con pocas fotos parecía sencillo al principio, en unos meses es la locura! 

Por supuesto no hay un método único y perfecto, porque como casi todo dependerá mucho de tus preferencias personales, pero si queremos dejaros algunos consejos por si os sirven de orientación.

Por ello hablaremos un poco de forma general algunas recomendaciones en las que muchos parecemos coincidir (e incorporo aquí mi método) y después os presentamos, gracias (GRACIAS, GRACIAS!) a la colaboración de algunos de nuestros amig@s "fotografiantes", algunos ejemplos de flujo de trabajo personalizados, para que os hagáis una idea de la variedad de posibilidades (y piquéis de aquí y de allá lo que mas se adapte a vuestras necesidades)

{aprende} gestión del color parte II: modos de color, por Eva Gullón

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Antes de que os metáis en la lectura detenida de este, que es densito, os recomiendo la (re) lectura del primer post de esta serie.

Nos habíamos quedado intentando llegar a la respuesta a la pregunta: ¿cómo cuantificar el color, cómo medirlo para poder representarlo si el color es sólo una percepción humana que tiene lugar en nuestro cerebro?

Pues como para cuantificar casi todo, partimos de unos puntos de referencia con un valor descrito. Y así, un modelo o modo de color trata de crear valores numéricos que describan todos los colores partiendo de un conjunto de valores primarios.

La mayoría de modelos o modos disponen de 3 componentes primarios a partir de los que se calculan el resto de los valores. Seguro que alguno te suena ya, ¿sí?: RGB, CMY, L*a*b*, LCH, HSV.

{aprende} como conseguir fotos más nítidas parte II-B: en la edición por Eva Gullón

Si en el anterior post de enfoque os hablábamos de los dos procesos más habituales que se utilizan para añadir nitidez a una imagen en la edición -recordad: máscara de enfoque y paso alto-, en este añadimos tres más. Todas son técnicas menos frecuentes a nivel aficionado, quizá porque parten de un modo de color poco utilizado - Lab - , pero no me preguntéis por qué en vista de lo que vais a leer. No son las únicas técnicas de enfoque que existen con este modo de color, pero me han parecido las más asequibles para nuestro nivel.

técnicas de enfoque en modo Lab

Las anteriormente mencionadas técnicas de enfoque las aplicábamos sobre la imagen en modo RGB, viéndose afectados la totalidad de los píxeles de la misma. Pues bien, las dos técnicas siguientes tienen el modo de color Lab como punto de partida. ¿Y qué es Lab? ¿Y cómo funciona este modo de color? ¿Y por qué nos sirve para estas técnicas?

¿Y qué es Lab?

Si no sabéis responder a esta primera pregunta, os envío convenientemente a la serie de Gestión de Color, aquí en Capturando Momentos para que encontréis allí la respuesta. Por el contrario, si podéis responderla, entonces seguid leyendo sobre la segunda, aunque la trato muy muy por encima.

¿Y cómo funciona este modo de color?

De igual manera que en RGB, el modo de color Lab también almacena la información de la imagen en tres canales; sin embargo, a diferencia de RGB, la información de color y la información de luz se van a recoger por separado. Así estos tres canales son:

• Canal Luminosidad: sólo recoge información de luz
• Canal a: recoge información de rojos y magentas
• Canal b: recoge información de azules y amarillos

{aprende} gestión del color parte I: descripción digital de la luz, por Eva Gullón

Suena cuando menos intimidante, y poco atractivo. Y creo que es cierto y a la vez no lo es.

Efectivamente, es un tema complejo y sumamente técnico, pero en algún momento hay que abordarlo, especialmente cuando se llega a cierto nivel de experiencia fotográfica en el que aún se vive la curiosidad por saber y conocer más sobre fotografía _ y es un fantástico aliciente para disfrutar más de la actividad.

Me voy a dejar en el tintero un montón de tecnicismos (sé que me lo agradecéis) y me voy a centrar en contarlo de una manera asequible a un nivel práctico para usuarios aficionados. Quizá echéis algo de menos, o quizá desde el principio os parezca mucho, no lo sé.

Este post constituye el primero de una serie dedicada a la gestión del color. Por favor, id leyéndolos con paciencia y procurando entender lo que cuentan, porque cada post va a contener conceptos que vamos a encontrar en sucesivas explicaciones.

Literalmente, el nombre hace referencia a la capacidad de controlar de manera consistente (constante y coherente) la reproducción del color y la tonalidad en el entorno digital.

La gestión de color intenta resolver el conflicto de cómo los distintos dispositivos que participan en el proceso de la fotografía digital captan la información de luz y de color y la convierten a un lenguaje numérico que se pueda entender por los demás.

{aprende} como conseguir fotos más nítidas parte II-A: en la edición por Eva Gullón

“¡Oh no!¡Está desenfocada!” ¡¿Cuántas veces habré dicho esto tristemente o con rabia ante las fotos que acabo de descargar de mi tarjeta?! Confieso que unas cuantas… miles de veces. Y las que aún me faltan.

No somos infalibles, no importa cuántas fotos hayamos hecho ya. No todos los factores que pueden darse en el proceso de enfoque los controlamos nosotros; si conocemos la técnica, ésta nos puede ayudar muchísimo en la consecución de una imagen nítida en donde situamos el punto de interés, pero como bien sabemos, la fotografía no es sólo técnica. La mayoría de esas fotos borrosas se irán a la basura, pero otras tendrán arreglo aunque sea parcial.

Pues eso, ¿tiene arreglo?

Antes de nada, no dejéis de visitar este otro post del blog sobre como conseguir fotos nítidas en la captura para estar bien informados.

Las técnicas de enfoque en la edición AYUDAN a mejorar los resultados, pero de ninguna manera van a arreglar completamente una fotografía movida o trepidada. Pero ¡espera! no tires ninguna imagen que hayas hecho que te guste que tenga un ligero (ligero ¿eh?) problema de este tipo, sobre todo si es parcial, sin intentar mejorarla antes de alguna manera.

¡Vaya nitidez!

Estas técnicas también AYUDAN en la mejora de imágenes ya de por sí nítidas, añadiendo más nitidez si cabe (e incluso híper nitidez) y también participando en procesos de ajustes de resolución (como veremos más abajo en "enfoque para web").

{aprende} las capas de PS: ¿qué son y para qué sirven? - parte II

Una vez aprendidas las nociones básicas del trabajo con capas, vamos a ver qué utilidad tienen a la hora de editar nuestras fotografías.

Como ya os adelantaba en la introducción, la ventaja de las capas es que son una manera "no destructiva" de editar las fotos. Puede que estéis pensando que nunca "destruís" los originales cuando editáis porque luego la versión editada la guardáis como otro archivo, pero no me refiero a eso cuando utilizo este término.

Al trabajar con capas podemos aplicar cada modificación que deseemos en una capa diferente, sin modificar la foto original que dejaríamos como "fondo". De esta manera siempre tenemos la referencia del punto de partida ahí y podemos ver si los cambios nos gustan más o menos que el original, y además cambiar la intensidad de los mismos (con la opacidad de la capa) y combinar varios. Si a esto añadimos la posibilidad de utilizar los diferentes modos de fusión en distintas capas las posibilidades entonces se hacen infinitas!

Los que trabajéis con acciones seguro que habréis visto que prácticamente todas son una suma de capas que se van aplicando a la imagen base y en muchas estos pasos se pueden modificar al gusto según el resultado que estemos buscando.

Vamos a verlo con algunos ejemplos que es más sencillo que leer tanto.

{aprende} las capas de PS: ¿qué son y para qué sirven? - parte I

Cuando trabajamos con una imagen en Photoshop (PS) hay muchas posibilidades para realizar los ajustes. Igual que ocurre con Adobe Cámera RAW, PS nos permite aplicar ajustes globales a toda la imagen o solo a algunas zonas.

Para esto último podemos utilizar diferentes herramientas:

• los pinceles: como los de la vida "real": pintamos el ajuste que queramos hacer sobre la zona en cuestión a modificar y no sobre toda la fotografía.
• las selecciones: no hemos hablado de esto todavía, pero es una forma también de aplicar una modificación o ajuste a una sola zona de la imagen que previamente hemos elegido (seleccionado). Saber manejar selecciones es muy práctico y útil porque facilita la edición. En otro momento hablaremos de ellas.

El concepto sobre el que vamos a hablar hoy es el de las CAPAS.

Las capas permiten modificar la imagen en su totalidad o de forma parcial (utilizando las "MÁSCARAS DE CAPA"), pero de una forma especial. La diferencia fundamental es que editar con capas es lo que se llama un método "no destructivo" de modificar la imagen. Quiere decir que la imagen original siempre se mantiene intacta y que por tanto es posible, rápido y sencillo deshacer o variar la intensidad y otras cualidades de la modificación que hemos aplicado, tantas veces como queramos.

Vamos por partes para entender esto que así dicho todo junto puede sonar complicado si es tu primera vez trabajando con capas.

{dale una pincelada} firma tus fotografías

En este mundo cibernético en el que nos movemos, en que se "pinean", "repinean", "reblogean" y comparten tantas cosas (entre ellas, imágenes!), a veces no es nada fácil encontrar el autor original de una fotografía. Posiblemente algunos habéis encontrado vuestras fotos en sitios poco deseables, o en lugares para los que no habíais dado vuestra autorización... Es un tema muy complicado, y poco se puede hacer, pero sí que podemos al menos dejar constancia de quién hizo la foto, poniendo una firma o marca de agua. No evitamos que utilicen nuestras fotos, pero al menos molestamos un poco!

{dale una pincelada} mi Instagram DIY

Ya sabéis que soy la presidenta del club "Culo veo, culo quiero", siempre con ganas de comprarme todo lo que veo a los demás... pero también tiro mucho para el DIY (¿recordáis la mochila o los reflectores?), porque están los tiempos como están, y una se tiene que quedar con las ganas de muchas cosas... o ingeniárselas para hacerlo en plan "casero".

Ya sabéis también que Eva ha estado de vacaciones en Grecia, y por si el sólo hecho de saberlo no nos hiciera morirnos de envidia, se ha dedicado a ponernos los dientes largos con MARAVILLOSAS fotos en Facebook... ¡hechas con su IPhone!! Recordaréis aquel post fantástico sobre una de las aplicaciones para este móvil, la cámara Hipstamatic (maravillosa!). Pero es que además hay montones de otras posibilidades, todas ellas igualmente apetecibles.