{dale una pincelada} crear una acción "tamaño & enfoque" en PS para publicar tus fotos en la web, por Eva Gullón

Tanto si tienes cuenta en Flickr o Facebook como si tienes un blog (y todas cuantas opciones existan al margen de estas tres) entonces tienes la necesidad de adaptar las imágenes que salen de tu cámara a las características de un sitio online donde el tamaño, peso y espacio de color delatan un medio que requiere uniformidad y ligereza, tanto de peso como de transporte.

Crear una acción, o conjunto de acciones, que automaticen la tediosa faena de adaptar a cada sitio el tamaño y resolución finales de la imagen nos ayuda a dinamizar el trabajo y a ahorrar tiempo. Con un simple clic podremos dejar lista una imagen para publicar en uno o varios sitios y dedicar nuestro mayor esfuerzo a la edición,

Las imágenes las prepararemos asumiendo que la resolución es 72 px por pulgada y sRGB el espacio de color. Lo que varía de un sitio a otro es el tamaño, lo cual es muy fácil de adaptar.

paso 1

Tip: crea una carpeta para agrupar todas las acciones que hagas para publicar en web

Abre la imagen ya editada y lista para el cambio. Abre la paleta de acciones, pero si no la tienes visible siempre puedes ir a menú Ventana > Acciones o usar la tecla F9 para llamarla. En la esquina superior derecha de la paleta haz clic en la mini flecha negra para ver el menú, y allí selecciona Acción Nueva. Ponle el nombre del sitio web para el que la creas y el tamaño.

{dale una pincelada} simular una profundidad de campo reducida, por Eva Gullón

El otro día os explicábamos cómo controlar la profundidad de campo: qué factores influyen en ella y por tanto cómo conseguir imágenes con mayor o menor profundidad de campo. Si bien con casi cualquier cámara se pueden conseguir imágenes dónde todo esté nítido (desde el primer plano hasta el fondo), esas otras fotografías donde el fondo aparece densenfocado, donde la DOF es pequeña no son sencillas de conseguir con con determinados objetivos y sobre todo con cámaras compactas.

Pero no por ello hay que renunciar a jugar con la reducción de la profundidad de campo. Abre PS para averiguar cómo puedes hacerlo de una forma sencilla y no destructiva con ayuda de una máscara de capa y el filtro lens blur o desenfoque de lente. La idea es utilizarlos con una de estas dos aproximaciones: una más realista, intentando suplir con software las carencias de la toma por el motivo que sea, y/u otra más subjetiva, como recurso artístico y creativo con el que pasarlo bien.

El proceso básico de trabajo en PS se basa en duplicar la capa de la imagen original para aplicar sobre ella el filtro y después editarla con paciencia y habilidad con ayuda una máscara, que será la que nos permita realizar el juego de la visibilidad o invisibilidad del desenfoque.

Este sistema de duplicado y máscara APLICA a cualquier otra modificación que se quiera aplicar parcialmente a la imagen: piensa en términos de exposición, contraste, curvas, otro filtro...

{dale una pincelada} crea tu propio material de Scrap, por Eva Gullón

En esta segunda entrega (no os perdáis la PRIMERA PARTE) nos toca hacer nuestros materiales. Fabricarlos, idearlos. Vale inspirarnos en cositas que veamos ya hechas y que nos gustan. La imitación es una fuente de investigación y aprendizaje gigantesca.

Como este post se adivina larguito, no me voy a andar con rodeos. Empezamos. Todo comienzo necesita de PLAN, sobre todo si queremos ver un final. Esto es, pararse a pensar unas cuantas cosas antes de lanzarse y colocarse delante de la pantalla del ordenador. Si no pensamos antes, perderemos un montón de esfuerzo y tiempo.

El PLAN debería despejar las siguientes incógnitas: tema, diseño y mensaje

1. Elección de un tema que nos dé la referencia en la creación y nos motive en la búsqueda de inspiración. El objetivo a cumplir, o más bién, qué queremos hacer. No sólo tendremos que pensar “a lo grande”, sino también en los pequeños adornos que complementen.
2. La paleta de colores. Aquí mi recomendación es que inicialmente no sean demasiados y que de alguna manera (no es obligatorio, claro) guarden alguna relación con el tema.
3. La tipografía también juega su papel. Los sentimientos son una parte muy importante del scrapbooking, y gracias a las palabras con las que acompañemos nuestras imágenes podemos intensificar lo que queremos transmitir.
4. Determinar un estilo para el tema a veces también es importante, sobre todo porque permitirá aunar todos los elementos de diseño con coherencia y así ganaremos en unidad perceptiva: lo que hayamos creado lo sentiremos como un todo, en vez de varias cosas dispersas.

Yo voy a plantearme una página sencillita, con un tema fácil, proporcionado por la fotografía que he elegido para ilustrar. Y para ello quiero hacer esto (lista de la compra), TODO original, ¿vale?:

Papel digital * Marco para fotos * Etiqueta para texto * Washi * Texto

{aprende} controlar la profundidad de campo, por Eva Gullón

Profundidad de campo hace referencia a la porción o zona de la imagen que aparece nítida. Si toda la imagen está enfocada, hablamos de una profundidad de campo grande o amplia; si sólo una zona de la imagen está nítida y lo demás borroso, hablamos de una profundidad de campo reducida o pequeña.

Nota: Las siglas DOF, que encontraréis en muchos sitios, hacen referencia a este término. Del inglés Depth of Field. 

Cuando me puse a escribir este post tenía en mente dos cositas de corte creativo que me gustan: el filtrillo chorras de Instagram, que permite generar un halo borroso en toda la imagen salvo en la zona que queramos destacar; y el lensbaby composer, una lente con aplicación artística y creativa que permite realizar desenfoques en la imagen durante la toma usando los recursos de "tilt and shift".

Pero antes de mostrar cómo podemos simularla creativamente con ayuda de software, es importante que entiendas en qué consiste,  qué factores influyen en su formación y dediques unos minutos a averiguar cómo puedes conseguir con tu cámara, durante la toma, esa zona borrosa que deseas para aislar un elemento/sujeto del fondo o para dar profundidad a una imagen que ha quedado con una sensación visual plana.

{dale una pincelada} scrapbook digital con tus fotos, por Eva Gullón

O el arte de utilizar diversos elementos decorativos y creativos, además del texto para acompañar una o varias fotografías. Necesitas creatividad, imaginación, cariño y cierto conocimiento sobre la edición de imágenes.

¿para qué?

Para uso personal, para publicar en tu blog, para imprimir en tarjetas, para crear foto-álbumes, para compartir… y si te conviertes en un artista de cierta calidad, para vender tus creaciones ¿por qué no? Para dar rienda suelta a tu creatividad, para experimentar con otros contextos para tus fotografías, para conservar momentos de una manera especial, para reflejar sentimientos, para añadir detalles y dar un toque artístico… para disfrutar.

y una idea para empezar

Si algunos de todos esos “para” te da el motivo para lanzarte en esta aventura, harás bien en iniciarte en el scrapbooking con una idea en mente.

Hay tantas cosas (tantísimas) cosas que se pueden hacer y con las que empezar a probar que (para una persona ansiosa como yo) es difícil decidirse sólo por una y no sentirse un poco frustrada después del primer intento. Elegir algo concreto que hacer, esto es, pararse a pensar en un resultado antes de lanzarse a la esfera digital a ponerse a trabajar sin ton ni son, es la primera lección que yo he tenido que aprender. Y ha dolido (un poquito): personalidad ansiosa = quiero hacerlo todo, quiero hacerlo ya y además quiero hacerlo bien. PAM, batacazo.

¿qué necesito saber?

Es imprescindible saber manejar un programa de edición de imágenes que admita el trabajo con capas. PS suele ser el de referencia, pero Gimp también sirve - salvo que los archivos de trabajo que obtengamos de terceros tengan la extensión .psd (nativos de PS) porque entonces solo se podrán abrir con PS. Además es aconsejable entender conceptos básicos de color, resolución y tamaño de imagen para poder adaptar después nuestras creaciones a los diversos destinos: blog, fotolibro o facebook, impresión o venta.

Si trabajas con materiales que han elaborado otras personas necesitas saber sólo lo más básico: trabajo con capas, efectos de capa y máscaras de recorte. Si también quieres crear tus propios materiales, entonces también debes saber usar un escáner, los modos de fusión de capa, las herramientas de luz y color, las de recorte, los pinceles y cuantas más mejor… aquí la imaginación y el ingenio son los mejores ingredientes.

Nota: os recomendamos revisar los posts sobre "capas en PS2" y "trabajo con selecciones" si todavía no estáis muy habituados a utilizarlas en vuestras ediciones.

En ambos casos, pero sin duda en el primero es fundamental, es importante tener recursos gráficos para realizar nuestras creaciones. Llamo recursos a los materiales que han elaborado otras personas y que, o bien venden en webs especializadas, o bien se comparten altruistamente. Por lo general, se pueden encontrar muestras gratis en las webs de venta, pero también hay personas muy aficionadas al scrapbooking que son igualmente generosas.

Para mi post me voy a servir de la generosidad de varios autores cuyos recursos compartidos he recopilado por aquí en Pinterest.

{dale una pincelada} B y N con Lightroom por Eva Gullón

Después de charla un poco de como "ver" las imágenes en ByN y de cómo editarlas con PS, hoy os traigo la tercera parte de esta serie, en la que abordaremos la conversión a ByN con Lightroom. 

Partiremos de una imagen RAW que voy a convertir de una manera sencilla, utilizando intuitivamente los controles que proporciona la aplicación.

Imagen 1. Además de la conversión “manual”, LR almacena en la biblioteca de “Ajustes preestablecidos” del módulo Revelar una serie de presets de conversión (generales, filtros y tonos) que se aplican fácilmente con muy diversos resultados. Si alguno te gusta como base de conversión, puedes seguidamente retocar o personalizar los parámetros de ajuste de los valores usados. Si te gusta tal cual se aplica, nada te impide dejarlo así.

Para la conversión sin ayuda de presets pasamos a la columna de ajustes de la derecha, sin abandonar el módulo de Revelar. Allí nos dirigimos a Tratamiento, para elegir Blanco y negro.

Imagen 1

{dale una pincelada} conversión a B&N con PS, por Eva Gullón

Después de un paréntesis regreso con las cosas que dejé pendientes. Me alegro de estar de vuelta, así que con muchas ganas retomo el blanco y negro y os cuento acerca de algunas de las múltiples técnicas posibles para procesar una imagen en color y convertirla a blanco y negro.

Lo primero que es importante entender es que la conversión a blanco y negro no es una mera desaturación del color. De hecho, si tan sólo nos limitamos a retirar la información de color de los píxeles, los valores de brillo o luz asociados a esas tonalidades en el momento de la captura no se van a corresponder con los que conseguiríamos en el caso de que lo que fotografiásemos fuera blanco, negro y gris en la realidad. La interacción de cada tonalidad con la luz es fundamental para el color.

(Bingo, es ahora cuando os recuerdo que una exposición incorrecta o una dominante de color va a afectar sin remisión a la conversión, así que antes de empezar con esto debéis editar la imagen, si es necesario, para corregir problemas básicos de ese tipo)

Cuando sólo desaturamos, obtenemos por regla general una imagen gris, más apagada que la de color, bastante plana y aburrida. ¿Entonces, no se puede utilizar esta opción? Sí se puede claro, pero para que el resultado sea interesante habrá que aplicar otros ajustes después de la desaturación para que la luz y el contraste sean adecuados (y para eso hay que saber manejar el histograma y las curvas) Por eso generalmente para convertir a B&Nse utilizan otras técnicas más prácticas como os explico más abajo.

Personalmente no utilizo un único método, sino que elijo uno u otro en cada caso dependiendo de las características de la imagen a convertir. Unas veces utilizo PS y otras muchas uso Lightroom. Lo bueno es que al haber probado tantos métodos, tengo una idea de lo que ofrece cada uno y cual puede funcionar mejor en cada caso.

Eso sí, para mí, la herramienta indispensable para cualquier conversión, la guía infalible de cómo está resultando el proceso, es el HISTOGRAMA. Y que no cunda el pánico, que es muy fácil de entender y de utilizar en PS a través de Niveles.

{aprende} evaluar y corregir la tonalidad de la piel, por Eva Gullón

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No creo equivocarme demasiado al pensar que de todos los tipos o géneros de fotografías que podamos abordar, quizá el más desafiante sea el del retrato, o en el que aparece la figura humana, especialmente el rostro. No sólo por indudables cuestiones que son inherentes a la personalidad del retratado, o siquiera al género humano, sino también por razones técnicas asociadas a este tipo de fotografía que se conjugan deliciosamente con la creatividad.

Como este mes Rebe y Eva lo dedican a la fotografía de recién nacidos y bebés hasta los 3 meses (retratos al fin y al cabo), hoy me voy a centrar en explicaros cómo podemos evaluar la tonalidad de la piel en el proceso de edición, partiendo de unos valores orientativos. Y también cómo utilizar la herramienta de Curvas en PS para realizar correcciones, en el caso de que se precisen.

Lo que os cuente aquí vale orientativamente para todo tipo de retratos, aunque hay apuntes aquí y allí que se centran en algún tipo especial de piel, como es el caso de la de los bebés.

Atención. Pregunta:

Si te dan una paleta de colores y te piden que hagas una mezcla para obtener un color similar al de la piel… ¿sabrías por dónde empezar? ¿sabrías qué colores elegir?¿sabrías cuántos colores mezclar?¿y sus proporciones? … ¿alguna vez te has preguntado de qué color es la piel? Vale, no es sólo una pregunta, son muchas. He hecho trampa. Cuando era pequeña, en las cajas de rotuladores siempre había uno que era un rosa clarito, a veces más saturado, a veces con más negro: ese era el que yo usaba siempre para colorear la piel de mis personajes. Mi hermana y yo lo llamábamos “color carne”. Sin embargo, una vez coloreado el muñequito siempre me parecía que el color no era nada realista. Pero era el más cercano al color real.

Bien, con esto os quiero decir que la piel tiene unos valores cromáticos que se pueden describir (supongo que no os estoy desvelando nada nuevo), pero esos valores sólo son orientativos y nos sirven de referencia para los casos en los que necesitemos corregir problemas de color.

{aprende} ver en Blanco y Negro por Eva Gullón

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El mundo de la luz y de la sombra. El reino de los grises. Recuerdos de mi inicio en la fotografía de manos de la fotoquímica, en el laboratorio casero de mi tío primero y en el de mi padre después, el cual pasaría a considerar como mío.

Antes el b/n para mí era una cuestión de medios materiales y económicos, siempre primera opción. Pero con la llegada del digital muchos años después, tuve la sensación de que el color era todo un mundo de posibilidades por descubrir y nunca más volví a mirar atrás.

Sólo con el paso del tiempo y la experiencia acumulada he sido capaz de retomar la fotografía en b/n, pero la he tenido que reinventar, porque ya no se parece en nada a la que yo aprendí. Así son las cosas.

¿Disparo en color y convierto después, o disparo directamente en b/n?

Se suele aconsejar disparar en color y después convertir antes que disparar directamente en b/n, si existe como una posibilidad en la cámara.

Los sensores de las cámaras digitales están mejor preparados para realizar la captura en color, y si tenemos suerte, disparar en RAW es nuestra mejor opción: la conversión va a repercutir sobre una imagen muy rica en información. La captura en b/n en realidad es una conversión que realiza la propia cámara sin que el usuario pueda decidir sobre el proceso.

Si capturamos en color y después convertimos a b/n, siempre dispondremos de la imagen original; pero si capturamos en b/n, descartamos definitivamente el color y no lo podremos recuperar nunca.

Pero no todo es disparar y después convertir. Aprender a mirar y llegar a ver en blanco y negro es fundamental para poder producir imágenes dignas del b/n; y esto para mí, es quizá lo más difícil de hacer.

Desde mi punto de vista, creo que trabajar con y en b/n requiere como mínimo de estas tres habilidades por parte del fotógrafo:

• Saber ver la luz y la sombra
• Saber ver las imágenes que ganan con la conversión a b/n
• Saber realizar la conversión con ayuda de software

{crea] un espacio personal para tus fotos por Eva Gullón

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Parece que el deseo de mostrar nuestras fotografías aparece íntimamente ligado con la necesidad de tomarlas… ¿o es al revés?

No importa, no vengo hoy a disertar sobre necesidades y deseos, sino a proponeros ideas que puedan dar respuesta a una satisfacción personal a la hora de dar a conocer las maravillas fotográficas que realizáis, y especialmente vuestros proyectos. Suena mejor ¿verdad?

Puedes elegir y complementar, un blog, una web, una red social. Ninguno es exclusivo, todos satisfacen objetivos parecidos, pero no exactamente iguales.

Desde mi punto de vista, tanto un blog como una red social son el lugar al que optar en primer lugar. ¿Y por qué?

• Una red social vista agrupa a una comunidad de gente alrededor de la fotografía como vínculo de unión, como Flickr, que es un lugar más que apetitoso para empezar: hay multitud de niveles entre los participantes y tienes la ocasión de ver de todo un poco. Despacito y con calma te da la oportunidad de ir educando tu vista y gusto fotográficos, de inspirarte con la enorme cantidad de ideas y trabajos que se exponen a diario, de seguir la evolución de algunos fotógrafos que te gusten especialmente, de exponer tus fotografías no sólo para tu propio deleite, sino también para averiguar qué es lo que otras personas opinan sobre lo que haces, opinar tú mismo sobre lo que hacen otros, participar conjuntamente con otr@s fotógrafos en proyectos comunes…¡uf! lo que desees.
• Un blog abre una esfera personal (o profesional si es el caso) para tus imágenes en la que las únicas limitaciones a la exposición las pones tú. Como socialmente suele ser poco dinámico, requiere de cierto trabajo en otras esferas más abiertas para obtener y mantener lectores. Lo particular de los blogs es que están concebidos como diarios, y por lo tanto sus contenidos estructurados linealmente: las categorías y las páginas fijas le dan ciertas ventajas a la hora de plantear algún contenido más importante, pero por lo demás carecen de muchas posibilidades de interactuación con el usuario, cosa que sí ofrecen las webs.
• Son opciones más cómodas de mantener
• Ambas opciones son gratuitas (o de pago también) y fáciles de manejar.
• Una web requiere de ciertos conocimientos técnicos por tu parte, aunque los paneles de usuario de las empresas proveedoras de servicios pueden llegar a ser asequibles en su manejo, como los de gestión del blog. A menudo suele ser necesario realizar un pequeño desembolso anual por la contratación de un nombre de dominio y un servicio de alojamiento, aunque también hay dominios y alojamientos gratuitos, pero suelen tener ciertas limitaciones y también publicidad. Quizá la web sea más adecuada para una pequeña empresa de foto o para un fotógrafo en activo que se ofrezca profesionalmente (al mismo tiempo que le sirve de galería de exposición)

{aprende} como conseguir fotos más nítidas parte II-B: en la edición por Eva Gullón

Si en el anterior post de enfoque os hablábamos de los dos procesos más habituales que se utilizan para añadir nitidez a una imagen en la edición -recordad: máscara de enfoque y paso alto-, en este añadimos tres más. Todas son técnicas menos frecuentes a nivel aficionado, quizá porque parten de un modo de color poco utilizado - Lab - , pero no me preguntéis por qué en vista de lo que vais a leer. No son las únicas técnicas de enfoque que existen con este modo de color, pero me han parecido las más asequibles para nuestro nivel.

técnicas de enfoque en modo Lab

Las anteriormente mencionadas técnicas de enfoque las aplicábamos sobre la imagen en modo RGB, viéndose afectados la totalidad de los píxeles de la misma. Pues bien, las dos técnicas siguientes tienen el modo de color Lab como punto de partida. ¿Y qué es Lab? ¿Y cómo funciona este modo de color? ¿Y por qué nos sirve para estas técnicas?

¿Y qué es Lab?

Si no sabéis responder a esta primera pregunta, os envío convenientemente a la serie de Gestión de Color, aquí en Capturando Momentos para que encontréis allí la respuesta. Por el contrario, si podéis responderla, entonces seguid leyendo sobre la segunda, aunque la trato muy muy por encima.

¿Y cómo funciona este modo de color?

De igual manera que en RGB, el modo de color Lab también almacena la información de la imagen en tres canales; sin embargo, a diferencia de RGB, la información de color y la información de luz se van a recoger por separado. Así estos tres canales son:

• Canal Luminosidad: sólo recoge información de luz
• Canal a: recoge información de rojos y magentas
• Canal b: recoge información de azules y amarillos

{equípate} apps de fotografía para tu móvil Android, por Eva Gullón

Si este post de Capturando Momentos sobre Hipstamatic en iPhone te puso los dientes largos, vengo yo ahora a proponer una alternativa que puede que desconozcas, pero que es igualmente atractiva.

Si tienes un móvil de los llamados Smartphones (léase mini estaciones de trabajo y ocio integradas, porque de móviles sólo conservan una pequeña parte) que tenga un sistema operativo Android (su icono es el muñequito verde), tienes todo un mundo fotográfico en tus manos, porque puedes instalar en él diferentes aplicaciones (entre fotográficas y de redes sociales) con resultados muy similares a los de Hipstamatic o Instagram en el iPhone.

Y si no tienes… Saca papel y lápiz y con buena letra empieza a escribir esa lista para Santa Claus o para los Reyes… que a lo mejor hay suerte y se dan cuenta de lo buenísimos que hemos sido este año.

A diferencia del iPhone, que es un dispositivo único, los móviles que usan Android son variados y hay donde elegir, por precio y prestaciones. Pero no os voy a hablar de ninguno de ellos, sólo de las aplicaciones que están disponibles para descarga e instalación en el Android Market (el equivalente al AppStore de Apple). Y además, sólo me voy a centrar en las aplicaciones gratuitas, por la simple razón de que hay muchas, las que hay cubren un montón de posibilidades, y en comparación con las de pago han recibido mejor valoración por parte de los usuarios.

{aprende} gestión del color parte I: descripción digital de la luz, por Eva Gullón

Suena cuando menos intimidante, y poco atractivo. Y creo que es cierto y a la vez no lo es.

Efectivamente, es un tema complejo y sumamente técnico, pero en algún momento hay que abordarlo, especialmente cuando se llega a cierto nivel de experiencia fotográfica en el que aún se vive la curiosidad por saber y conocer más sobre fotografía _ y es un fantástico aliciente para disfrutar más de la actividad.

Me voy a dejar en el tintero un montón de tecnicismos (sé que me lo agradecéis) y me voy a centrar en contarlo de una manera asequible a un nivel práctico para usuarios aficionados. Quizá echéis algo de menos, o quizá desde el principio os parezca mucho, no lo sé.

Este post constituye el primero de una serie dedicada a la gestión del color. Por favor, id leyéndolos con paciencia y procurando entender lo que cuentan, porque cada post va a contener conceptos que vamos a encontrar en sucesivas explicaciones.

Literalmente, el nombre hace referencia a la capacidad de controlar de manera consistente (constante y coherente) la reproducción del color y la tonalidad en el entorno digital.

La gestión de color intenta resolver el conflicto de cómo los distintos dispositivos que participan en el proceso de la fotografía digital captan la información de luz y de color y la convierten a un lenguaje numérico que se pueda entender por los demás.